ON ACTING

Comenzamos aquí un curso para reflexionar sobre nuestra labor. ¿En qué se basa? ¿Cómo ha variado a lo largo de la Historia? ¿Qué nos aporta? ¿Qué dificultades plantea? De la mano de Joseba Lazkano

Apirilak 27 – Maiatzak 1

Estos son los resultados de algunas de las tareas planteadas, extraidos de trabajos grupales e individuales del alumnado de todos los cursos.

 

¿QUÉ HERRAMIENTAS POSEEMOS PARA REALIZAR NUESTRO TRABAJO?

CONSEJOS PARA ACTUANTES AL MODO DE SHAKESPEARE

EN TORNO A UN VIDEO INSPIRADOR-

Han escrito (entre otras cosas muy interesantes….)

-nuestros sueños nos hacen presos y libres al mismo tiempo

-tenemos que liberar la mente en ciertas ocasiones para lograr las cosas que queremos conseguir, a la hora de trabajar

-Pero solo podemos ser quienes realmente queremos ser si nos atrevemos a salir de esa jaula que nos rodea.

-exprimir cada momento y volar cada vez que pisamos el escenario, como si fuese la última vez que actuamos.

 

SOBRE RELACIÓN ACTUANTE _ PERSONAJE

EN CONCLUSIÓN Nos ha surgido la pregunta de si cuando tienes un personaje dejas de ser tú mismo, y ha habido debate. Creemos que no dejas de ser tú mismo, la mente pensante sigue siendo la tuya aunque te comportes de otra manera y tomes decisiones que tal vez no tomarías, pero tu personaje sí. Si creemos que entras en una especie de burbuja, y crees que estas en ese lugar donde se encuentra tu personaje. ‌ Creemos que el apartado «confianza», para lo difícil que es conseguirla, está explicado muy brevemente. Creemos que se necesitan muchos más factores para llegar a conseguir algo así. Sobre todo se necesita tiempo. ‌ Por otra parte, desde nuestra experiencia este año, hemos utilizado la técnica Meisner, para la concentración y para conectar con tu compañero, y ha habido momentos en que nos sirvió y otros no. Pero en general nos ha ayudado mucho a concentrarnos en la otra persona cuando estábamos con la cabeza en otro sitio

SOBRE LA VERDAD·

Para ser un buen actor tiene que haber verdad, y para ello no puede tener miedo del escenario y del público, tiene que dejarse los miedos en casa. *Cada estilo teatral tiene su código y por ello su propia verdad. La verdad en la danza o en «la comedia del arte» es distinta.

STANISLAVSKI _ EL ACTUANTE REALISTA

  • CIRCUNSTANCIAS DADAS: Son información sobre el personaje en la obra y nos parece algo fundamental para un actor. ‌
  • MEMORIA EMOCIONAL: Forma parte del primer método de Stanislavski que consiste en buscar un momento de tu vida donde sentiste ese sentimiento y copiarlo. Nos parece una técnica dura y peligrosa que puede abrir viejas heridas. ‌
  • EL MÉTODO DE LAS ACCIONES FÍSICAS: Mediante una acción física podemos sacar la emoción que buscamos y queremos expresar. ‌
  • SUBTEXTO: La verdadera intención que hay detrás de las palabras (a veces pueden ser contradictorias). Sin subtexto no hay intención, lo cual es algo imprescindible. ‌
  • EL SÍ MÁGICO: Ponerte tú en la situación del personaje. Eso habilita al actor poder interpretar mejor al personaje. Hay a quien eso le puede servir más que a otra persona. ‌
  • OBJETIVO, SUPEROBJETIVO Y LA LÍNEA DE PENSAMIENTO: El deseo de la escena en concreto. El deseo principal, a dónde quiero llegar de verdad. Durante el proceso lo que sucede es la línea de pensamiento. Lo cual es algo necesario. ‌
  • CÍRCULOS DE ATENCIÓN: Son niveles de concentración. En tí mismo, en tú con tú compañero y tú con la gente de producción. no nos parece algo que el actor, mientras actua, sea consciente. ‌TEMPO Y RITMO: Son dos cualidades innatas en el ser humanos y como tales sin imprescindibles para un personaje. ‌
  •  LA IMPROVISACIÓN: Una parte fundamental para la creación del personaje. Una improvisación seria porque a veces tendemos a tratar de provocar risa.

CONCLUSIONES «STANISLAVSKI STYLE» ‌

En primer lugar, este método nos parece que se centra en la parte psicológica y en la memoria emocional afectiva, dejando entre ver que sin tener completa esta parte no podría realizarse con exactitud la acción física que determina la escena. ‌ Enfoca el trabajo del actante en una visión más introspectiva para así lograr el máximo acercamiento al personaje. Una vez que completamos esto, ya podríamos meter la acción física con la veracidad necesaria. ‌ Por otro lado, no podemos olvidar la parte de la acción física que es la que nos hace conectar totalmente con el personaje. Ahora bien, si nos centraremos únicamente en la parte introspectiva, por consecuencia, el actor se encerraría en sí mismo y dificultaría la relación con el resto de personajes.

En esta técnica es en la que el actor utiliza la memoria emocional para encontrar experiencias de su pasado que le permiten expresar sentimientos similares por no decir iguales a los del personaje. ‌ Para lograrlo es necesario que el actor debe desarrollar una gran concentración y se tendrá que familiarizar con la obra hasta el punto de construirle un pasado a sus personificaciones. ‌ Estamos de acuerdo en que a veces el actor debe vivir una acción, no representar una ficción; debe realizar sus acciones como un ser humano lo haría en la vida real. ‌ Stanislavsky combate la rutina, o sea, los clichés convencionales y estereotipados, el histrionismo, los efectos fáciles y la mentira teatral, la falsa emoción. El tema más polémico entre nosotros y todavía sin resolver es la injerencia del método en la vida privada, haciendo públicos los sentimientos mejor guardados. Forzando ligeramente este procedimiento, los ensayos pueden convertirse (y de hecho alguna vez se han convertido) en sesiones psiquiátricas, en las que los actores confiesan morbosamente sus secretos más íntimos. Es cierto que el método Stanislavski ofrece unos resultados óptimos para la verdad de la escena pero no todas las obras de teatro son iguales ni quieren representar lo mismo por lo que no podemos tomar el método stanislavski como único. ‌ No podemos ver el teatro únicamente como una mirada realista porque eso le quitará dimensión y amplitud. ‌ ‌ ¿Que pensáis sobre crear un personaje desde tus vivencias, preguntándote el mágico «y si…»? el actor busca activamente responder a la pregunta: «Si yo estuviera en la posición de Macbeth, qué haría? -Creerte el personaje sin prejuicios. «El si mágico» un ejemplo clave de ello (explicación de Joseba) lo que nos hace creer que somos ese personaje, como los niños cuando juegan a papas y a mamas que se creen que lo son.

 

ESTRATEGIAS

  1. Respecto a la preparación del personaje consideramos que es muy importante usar la intuición, relacionar al personaje contigo mismo e incluso enamorarte del propio personaje ya que esto te puede hacer llegar a una situaciones extremas o no, que saquen de ti lo máximo y aporten al personaje momentos maravillosos.
  2. Como escribimos en su momento, con la exploración externa con entendimiento, consideramos muy importante la investigación de los antecedentes de nuestro personaje porque dependiendo del momento de actuación o escena de actuación que vayas a interpretar tu personaje emocionalmente se sentirá de una manera u otra.
  3. Enfocarse mientras actúas, creemos que en este punto para que sea posible los resumiríamos en ser compañeras queremos decir con esto, centrarse en escuchar a la compañera y al revés, ayudarla ,centrarte en lo que ocurre en el momento no adelantarte a los acontecimientos etc.(PUNTO MUY IMPORTANTE PARA NOSOTRAS)
  4. El punto de la confianza es importante para una misma, queremos decir con esto, que no hablamos de confianza con la persona con la que vas actuar que también sería otro punto a considerar, pero en este caso trata más sobre la confianza que pones en ti al hacer cualquier actuación y la confianza que tienes de que cualquier cosa que hagas, esté bien o mal has puesto la suficiente confianza para dar lo mejor de ti.

 

Conclusiones : ‌

  1. El actor-actriz tiene que trabajar lo máximo posible sobre sí mismo, en lo que respecta todos los sentidos de la actuación para llegar a un punto donde se sienta cómodo, libre, con facilidad y seguridad para interpretar.
  2. . Cobra más importancia el trabajo que realizas sobre ti mismo , para así poder ser consciente de tus fortalezas y destrezas.
  3. El trabajo que realizas sobre el personaje aunque no sea menos importante, tiene que venir después del trabajo que realizas sobre ti mismo puesto que todo ello sale finalmente de ti.

 

SOBRE EL RIESGO

Andrés Lima defiende que no hay ni buena ni mala actuación pues si lo haces con verdad el mismo actor se siente seguro y se conseguirá llegar al espectador.  ‌ Lima exige a sus alumnos/as que a la hora de enfrentarse a un texto lo importante es tener valor y nosotras estamos de acuerdo pues pensamos que lo importante no es una buena actuación si no la verdad, creemos que tenemos que dar todo de nosotras y vaciarnos hasta conseguir el objetivo, es decir, sacrificarnos.  ‌ En otro punto en el que estamos de acuerdo es que la actuación te exige valentía, claridad, riesgo etc, y si no estás dispuesto a darlo es mejor no dedicarte a ello pues, recalcamos, se necesita verdad.  ‌ El escenario es mal sitio para esconderse- Strasberg.

Partiendo de que Andres Lima es maravilloso, como él creemos que es muy importante que haya verdad en las cosas que se dicen al actuar , más allá de si estas a favor de las ideas de nuestro personaje o no, si no la verdad con la que seas capaz de defender las diferentes situaciones por las que pasa tu personaje. Creemos también que son muy acertadas las pautas que te mencionan respecto a la profesión que hemos elegido, conexión, ser valiente, explorar desarrollar, arriesgar y muchos más sinónimos. Para nosotras finalmente lo que abarca todos estos aspectos es saber disfrutar de ti y de la gente que tienes a tu alrededor actuando y no centrarte en ti misma si no en lo que las otras personas te dan y tú les ofreces para formar algo común y verdadero.

Andres Lima es un ejemplo de la valentía, honestidad y defensor de la pura verdad, y estoy totalmente de acuerdo con él. El escenario no se inventó para los que no se atreven a abordar TODAS las emociones, posturas, políticas, ideologías, psicologías… Para la profesión de la actuación la vergüenza está prohibida, DEBES mostrar todo lo que hace ser a ese personaje; y no solo eso, las emociones y sentimientos deben ser REALES, DEBES CREÉRTELOS, VIVIRLOS durante el tiempo que estás interpretando. Conexión, claridad, concreción y presencia son indispensables en esta profesión y la valentía, el desarrollo, la exploración, la investigación, el riesgo, el error y, sobre todo, la perseverancia, la fuerza de intentarlo una y otra vez y el trabajo duro son las herramientas necesarias para lograrlas.

 

COMPARACIONES

La diferencia más significativa que encuentro entre Brecht y Stanislavsky es que Brecht cree que el actor debe mostrar y que Stanislavski debe ser el personaje. Brecht ve el teatro como algo que entretiene pero que bien llevado puede llevar a la revolución. El punto de vista de Brecht me parece el más afín al mio. Al tratar de conseguir una reacción en el público el actor debe distanciarse para intentar utilizar la mejor estrategia.

 

BERTOLT BRECHT Y EL ACTUANTE

A mi parecer estas teorías sobre la interpretación son notablemente el lado opuesto a lo que proponía Stanislavski, como su némesis. Stanislavski una actuación más sentida e introspectiva para posteriormente transformarse en el personaje. A ojos de Brecht, el actor debe distanciarse del personaje, evitar identificarse con él. Niega que el actor, necesariamente, tenga que acudir a los sentimientos propios, que no debe vivirlo. Si es verdad que Brecht no se distancia totalmente de la identificación, pues dice que en los ensayos estaría permitida siempre y cuando sea una herramienta más de observación. Se aleja del “si mágico” para cuestionar directamente lo que hemos observado de cómo se dice esto o que se hace cuando pasa lo otro. Propone también intercambio de personajes en los ensayos, así tendríamos la oportunidad de conocer al personaje con el que comparto escena y para ver mi personaje en otros actuantes.  

Apuesta por un teatro más social, que se aleje de la dominación de la burguesía y se alíe con las clases que buscan cambios. Debemos de ser más críticos, por eso se centra más en el mensaje, para que el público sea libre de sentir y opinar. Alejar al espectador de la identificación del personaje y que cada cual debe reaccionar según su contexto personal. 

 

 

 

ARTAUD _ EL TEATRO Y SU DOBLE

Creo que si tuviera que elegir mi teórico favorito sería Artaud, me parece muy interesante que rompa con la tradición desde este otro lado, el inconsciente, que de poder a los sueños, que mezcle lo místico con la realidad. Que dé prioridad al ritmo, movimiento… más que a la palabra, que una todos los “medios”. Es el tipo de teatro que me gustaría actuar y sobre todo creo que si tuviera que escribir algo sería de este tipo, y para dirigirlo me parece lo más divertido y mágico.

*Artaud, un referente vanguardista del siglo XX dedicado a la escritura, pensamiento y arte.

conceptos que detestaba en su forma convencional a pesar de dedicarse a ellos.

Me parece muy curioso que se quedara lejos de satisfacer de manera artística y permaneciese como denominaban, un monstruo innovador, insatisfecho con el arte.

El no se consideraba artista, estaba en contra de las instituciones así qué se dedicó hacer del arte algo personal.

Artaud, entonces, se enfocaría casi completamente a hacer trabajos que fueran artísticamente innovadores, pero también se deshicieron de la etiqueta “arte”. A pesar de haber influido en un inmenso número de disciplinas.

Es fascinante como un artista tan completo y que daba tanto al arte estuviese tan harto del mismo arte.

Lo veía hipócrita ,el teatro sin ir más lejos pues creía que no mostraba la condición humana real y por eso le daba la «dureza» a sus obras pues, mostraban la verdad y eso mismo quería transmitir al espectador.

 

AKTORE SANTUA GROTOWSKI

Volvemos de nuevo a la búsqueda del Yo REAL, revelar la esencia de cada uno, liberar al ser que se encuentra detrás de la máscara que socialmente llevamos para ser aceptados. El actor debe apelar a su propia vida, pero no a través de las circunstancias dadas o la memoria emotiva, ya que con éso se está recurriendo a su YO, un «yo» condicionado por la imagen, la máscara, que queremos imponernos a nosotros mismos y los demás. El objetivo de Grotowski es romper esa máscara y no «actuar» sino cumplir el acto. Para ello, el actor debe revelarse a sí mismo, sacrificar su parte más íntima, la que no «debe» ser mostrada al mundo; debe ser capaz de manifestar su más mínimo impulso y establecer contacto consigo mismo, una confrontación sincera, disciplinada, precisa y total con su ser íntegro, desde sus instintos e incosciencia hasta su extrema lucidez. Se trata de trascenderse a sí mismo, de explorar en el propio ser para encontrar la PURA VERDAD. Grotowski lo llama El Acto Total.